To Sir, With Love (1968), de James Clavell.

Afortunadamente no se han hecho muchas películas sobre las relaciones entre maestros y alumnos, y las pocas que existen tienen una opinión general muy buena. To Sir, With Love, es una de las primeras que abordó este tema y lo hizo de manera bien directa, contando la historia de un profesor de color que debe defenderse en un colegio repleto de alumnos blancos. Racismo, sexualidad, madurez, enfrentamientos, y un Sidney Poitier brillante e intachable.

Mark Thackeray es un ingeniero egresado que tomará el rol de profesor temporalmente, mientras aplica para algunas empresas para el trabajo que realmente quiere. No cuenta con que estos alumnos cambien su vida, y es así como sabemos que terminará.

Como era normal en esa época, con algunas películas con temáticas un poco adultas, la mayoría de los alumnos en realidad son notablemente más grandes de lo que intentan aparentar, pero todos cumplen acertadamente sus papeles de jóvenes rebeldes sin rumbo alguno. La historia no profundiza tanto en los temas de importancia como la educación o la discriminación, por lo cual no funciona tanto para un análisis sino más bien para verla como inspiración.

Puede decirse que la película ha visto el paso del tiempo con buenos ojos, ya que cuenta una historia bastante universal que no se ha visto gastada hasta el cansancio. Además, es innegable la influencia que tiene en otras películas más recientes del mismo tema, especialmente el personaje del más rebelde que luego fue practicamente copiado en la película Dangerous Minds con Michelle Pfeiffer.

Hacia el final se torna bastante sentimentalista, reforzando su calidad de inspiración y cerrando con una ternura y emotividad, una vez más, muy bien interpretadas por Sidney Poitier, a quien en todo momento creemos su gran esfuerzo y posterior conexión con estos alumnos que sólo necesitaban alguien que los entienda. La música principal de la película, que muchos dicen no es tan buena como antes, creo que es un broche de oro para esta linda historia, y para nada creo que haya quedado en el tiempo.

Smiley Face (2007), de Gregg Araki.

Generalmente soy asquerosamente indiferente a las comedias facilonas, de esas donde el humor es tan burdo e infantil que los únicos vestigios de una risa recién emergen al llegar al final de la película, tales como Scary Movie, The House Bunny u Observe & Report. Pero estas películas mencionadas tienen algo en común: Anna Faris. Y Anna Faris es una genial actriz de comedia, no una genial comediante, sino una buena actriz a quien dichos papeles cómicos le van como anillo al dedo.

Smiley Face es lo mismo. Una historia tan estúpida que, al terminarla, probablemente las neuronas están dormidas rebotando entre sí, pero la presencia de Faris es tan atractiva que uno se olvida que está siendo testigo de un subgénero de la comedia en el cual los pilares básicos del cine (¡como el guión!) no tienen ninguna importancia real. Vamos a llamarlo Comedia Fumanchera, y no como Knocked Up o Pineapple Express, esas tienen buenas referencias, pero al hablar de una película como Smiley Face solamente hablamos de Anna Faris.

Ah, no les conté de la película. Bueno, va sobre una chica que se pasa la vida volada y luego se mete en una serie de situaciones insólitas de toda clase. Ahí, nada más. Lo bueno es que la cámara está siempre con nuestra protagonista principal, quien hace que todo sea asombrosamente llevadero. Y mucho más no se puede decir realmente, salvo que espero a verla en What’s Your Number? junto a Chris Evans a ver como se desenvuelve en el ambiente de la comedia romántica.

Un Cuento Chino (2011), de Sebastián Borensztein.

Mucho se ha dicho, y poco queda por decir de Ricardo Darín, a quien seguramente no le molestan para nada los repetitivos halagos hacia su persona y su calidad de actor, de quien uno tendría que estar algo loco para despreciar a estas alturas.

Esta vez lo vemos como el gruñón, amargado y solitario dueño de una ferretería, que piensa que todo el mundo se pone en contra suya y siempre la gente busca la forma de hacerle la vida más difícil. Su vida da un giro inesperado cuando un joven de nombre Jun, de nacionalidad china, entra en su vida de manera abrupta. Sin mucho remedio, ambos se quedan atascados en una situación insólita, ya que no pueden comunicarse más que por señas, mientras Roberto (Darín) va descubriendo qué hace este chino en el medio de la Argentina.

La historia es más sencilla de lo que parece, pero el rápido desarrollo, repleto de momentos cómicos e interesantes, hacen de esta propuesta una obligación. En el momento en que el personaje de Darín se va presentando más, especialmente uno de sus extraños hobbies, es bastante obvio que en algún momento su vínculo con el simpático personaje del chino (interpretado por un gracioso Ignacio Huang) va a dar un golpe brusco, afectando la vida de ambos de manera inevitable. Este giro es predecible, pero las situaciones que llevan a estos dos a llegar a ese punto son curiosas, y a veces, hilarantes, dejando pasar cualquier resquicio de simplicidad en la historia.

Algunos de los secundarios son algo monótonos, en especial Mari (Muriel Santa Ana), el interés amoroso de Roberto, cuya atracción tanto intenta esconder por los desconocidos problemas que lo aquejan en silencio. Sin embargo, su presencia no es importante, ya que la relación principal de la película es la de Roberto y Jun, a través de la cual aprenderá mucho más de la vida de lo que supo hasta ese entonces.

Roberto es un tipo perdido, incomunicado y casi incapaz de hacerlo correctamente. No se permite ser feliz porque cree que no tiene motivos para serlo, pero como toda buena historia de vida, sabrá que nunca es tarde para cambiar y aprovechar las oportunidades que se presentan. Un Cuento Chino es un lindo relato que aborda estos temas de manera sencilla pero eficaz.

Planet of the Apes (1968), de Franklin J. Schaffner.

Con el exitoso reinicio de El Planeta de los Simios en cines, contando la ficticia revolución de los primates que luego dominarán el planeta, una mirada a la película original era más que obligatoria. Si bien El Planeta de los Simios tuvo luego varias secuelas, series de televisión e incluso una serie animada, que por lejos no funcionaron como la película original, ésta sigue con buena vida aún a pesar de los años, algo que funciona más que nada por el mensaje social tan genial que está impregnado por toda la obra.

La película (así como el libro en el que se basa) sigue a un equipo de astronautas que realizan un gran viaje espacial en un futuro distante, estrellándose en un planeta donde simios inteligentes son la especie dominante, y los humanos son los esclavos. La primera media hora es prácticamente una interminable aventura, con un inicio rápido presentando a nuestro protagonista principal, George Taylor, interpretado grandiosamente por Charlton Heston, grabando un reporte sobre el viaje, el cual ya termina en un pequeño monólogo sobre el comportamiento del ser humano.

A partir de que estos astronautas descubren a estas tribus de simios que gobiernan por sobre los humanos, toda la película es una gran crítica social envuelta en aventura, y constantes sátiras hacia la humanidad. Luego de recibir un disparo en el cuello, y quedar sin habla como todos los demás humanos, Taylor comienza a comunicarse como puede con la Dra. Zira, una simia que cree en la “evolución” de los humanos, y comparte la “descabellada” teoría de su prometido, Cornelius, de que los simios son una evolución natural de los humanos.

Aparte de crítica social, El Planeta de los Simios es también una genial crítica religiosa, con largas charlas sobre una fe que es claramente ciega, y como las prácticas de arqueología de Cornelius, para probar su teoría, son todas puras herejías, y por ello pueden terminar en la cárcel, o peor, muertos. Sinceramente no había visto jamás tanto despliegue de inteligencia en un guión que critica tan eficazmente todo lo negativo de la raza humana. Y lo más atractivo de todo, es que estas críticas no interrumpen jamás la historia de la película, sino que la siguen impulsando hasta un clímax brillante, y un plano final que no por nada es archi-conocido en la historia del cine de ciencia ficción.

Nosotros seguimos siendo los simios, no ellos, y eso está bastante claro. Somos los mismos animales de siempre, entrando en guerra con nosotros mismos, destruyendo de a poco todo lo que tenemos. No hay mejor representación de esta realidad, que en la genial ficción de El Planeta de los Simios.

“Yippi ka yei, hijo de puta“.

La opinión que tengo sobre Oliver Stone es bastante diversa, aunque cuando hace bien las cosas, las hace más que bien. Pero últimamente ya no es el director arriesgado y crudo que era antes, cuando su ambición le llevaba a hacer cosas como Platton, JFK o Natural Born Killers, sino se ha vuelto bastante blando desde World Trade Center.

Natural Born Killers puede decirse que es una de sus películas más extravagantes, aunque no estoy seguro de que eso sea realmente bueno. La misma cuenta la historia de una pareja de asesinos en masa, Mickey y Mallory Knox, interpretados brillantemente por Woody Harrelson y Juliette Lewis, y su imparable viaje a través del país, eliminando a todos a su paso. Muy al estilo Bonnie & Clyde, esta pareja es perseguida por la policía, ensalzada por la prensa e idolatrada por la mayoría de la población.

Podría decirse que es un Road Movie psicodélico, cuyo último objetivo es criticar a los medios de comunicación y al entumecimiento de la población norteamericana ante el sensacionalismo de la prensa, entre otras cosas que aún no me quedaron claras. Para su propósito final, se siente más largo de lo necesario y me hace preguntarme si tanta exposición era realmente indispensable, o si Stone creía que la sutileza simplemente no era una opción.

La historia original es de Quentin Tarantino, quien supuestamente quiso desentenderse del producto final porque le parecía que el director había “edulcorado su historia”, y yo no me imagino como podría haber sido más violenta y sangrienta, pero si la película hubiera tenido aún más exposición, definitivamente iba a pasar de ser interesante a ser insoportable, algo que roza por momentos de tantos ángulos oblicuos o una fotografía inconsistente.

Como crítica, funciona si no se pierden entre tanta demencia, pero de cualquier manera se disfruta por las geniales interpretaciones de sus protagonistas que salen airosos de tanta locura. Robert Downey Jr. como el reportero de criminales en busca de más rating, y Tommy Lee Jones, como el director de la prisión, asqueado por toda la basura que le toca vigilar. Ambos hacen sus más loables aportes a una película que quizás no hubiera funcionado igual si no tenía a actores tan comprometidos.

Natural Born Killers definitivamente no es tan buena como pretende ser, pero el psicodélico viaje que proporciona hace valer el análisis posterior, y si de por ahí no se entendió nada, aún sigue siendo entretenida como una extraña película criminal.

Atención: Reseña con SPOILERS!!!

Bradley Cooper es indudablemente “el actor del momento”, esa categoría marketinera que se crea para promocionar a aquellos que están de moda, que se los ve en todos lados y que, independientemente de ciertas opiniones, tienen un talento real. Hace unos años, este actor norteamericano no era más que secundario en el cine, si bien anteriormente ya trabajó bastante, especialmente en la serie de TV Alias, pero no había llegado aún su hora de brillar.

En Limitless, él brilla, y es apabullante. Es una película que requiere mucho de su actor principal, y Cooper sale coleando loablemente, haciendo que todo sea más pasable, ya que lastimosamente, la historia es pretenciosa y ridícula, y apenas se sostiene por sí misma. Es salvada por una dirección fresca, una fotografía casi psicodélica como de video clip, actuaciones secundarias respetables (Robert De Niro, Abbie Cornish) y una agradable banda sonora.

La película, dirigida por Neil Burger (El Ilusionista), gira en torno a un escritor fracasado que encuentra la oportunidad de su vida cuando su ex cuñado le invita a probar una nueva droga experimental que potenciará al máximo todas sus capacidades intelectuales. Su inteligencia, su memoria y su creatividad se ven multiplicados a la enésima potencia, logrando que en tiempo récord su vida mejore drásticamente. Por supuesto, esta droga tendrá sus efectos secundarios, de los cuales su proveedor no le habló, y muy pronto se verá metido en severos problemas que amenazarán su vida y la de otros.

Hay que admitir que la idea tras la historia es bastante interesante, y con un desarrollo igual de interesante, la película podría invitar a buenísimos debates morales sobre las posibilidades y los peligros de una droga así. Pero desde el principio nos intentan vender humo, puesto que la historia está construida en base al mito de que sólo usamos un 10% de nuestro cerebro, una teoría científicamente refutada en incontables ocasiones, pero penosamente aún difundida por muchos ignorantes.

Para que la historia funcione, el guión cae entonces en conveniencias ridículas, como un préstamo ilegal de dinero que el protagonista realiza de algún mafioso X, cuando con su elevada inteligencia podría haberse decantado por un montón de opciones distintas, como aprovecharse de los juegos de casino, que en algún momento cuenta como le es tan fácil ganarlos. Al parecer, con su inteligencia potenciada, se le quita el sentido común. El problema es que la interesante idea tras la historia requiere un guión bastante listo y complejo, y el guionista simplemente no está a la altura de crear algo creíble (o el escritor de la novela, aunque no la leí ni tengo idea de la fidelidad de la adaptación). Hay un montón de incoherencias durante el desarrollo de la película, y los conflictos simplemente no tienen sentido (¿un celular que, sin razón aparente estando en el medio de la ciudad, no tiene señal cuando el protagonista está en peligro? ¿Ya no aprendieron de este típico error de las películas de terror?).

Limitless es visualmente atactiva, y sus buenos condimentos hacen que tenga un bien ritmo y sea digerible, pero desde la base más importante, que es el guión, deja tantas preguntas y huecos que no pasa de ser una ciencia ficción del montón.

“- ¿Cómo te sientes? – Sexy.”

Atención: Reseña con SPOILERS!

Hace un par de meses, cuando fui a ver Thor, salí más que aburrido de la sala. Inicialmente le tenía más esperanzas a esa película que a esta, ya que fue dirigida por alguien con más peso como lo es Kenneth Brannagh, que en promedio tiene muchos mejores logros que Joe Johnston. Saber que el mismo director de Jurassic Park 3 y El Hombre Lobo se iba a encargar del Capitán América ya le dio ganas de vomitar a todos, pero resulta que algo aprendió después de hacer semejantes bodrios, quizás recordando el buen trabajo que hizo en October Sky o The Rocketeer (aunque este último yo aún no vi).

Capitán América es una película de ciencia ficción entretenida, ni más ni menos. Tiene buen ritmo, un humor algo forzado pero nada alienante, efectos especiales de excelente calidad, aunque últimamente podemos asumir que ante todo, los efectos especiales son lo más memorable de muchas películas de género. La dirección de Joen Johnston, si bien cae en la buena tanda de su filmografía, tiene bastantes problemas con las escenas de acción, que a veces son confusas y simplemente no se entiende realmente qué está ocurriendo, pero zafan en general, si no me pongo exigente.

Con respecto a los efectos especiales, me gustaría resaltar la primera media hora de la película, en la que vemos a Chris Evans como Steven Rogers previo a ser sometido al experimento que lo vuelve un súper hombre. Verlo como un debilucho de un metro y medio es bastante raro, pero siempre creíble, por más que me puse a observar minuciosamente buscando alguna señal que me mostrara que todo era falso, pero no llegué a nada, y Chris Evans es sorprendentemente bueno, al menos mucho más acertado que en Los Cuatro Fantásticos. Eso, seguro.

Lastimosamente, la interpretación de quién más esperaba algo es la que no sale como debería. Hugo Weaving como Red Skull parece incómodo durante toda la película, y su interpretación fría y seca del villano no es exactamente amenazante ni memorable. Los secundarios son los que salen mejor parados, Tommy Lee Jons, siempre respetable, y Hayley Atwell, pulcra y hermosa en cada plano. La química entre Peggy Carter y Steve Rogers es palpable, y ambos comparten un buen diálogo final antes del fatídico desenlace, en el cual el Capitán América se estrella contra el hielo y se queda congelado. Casi me invade la tristeza al ver cómo nunca llegaron a tener esa cita, pero rápidamente nos encontramos ante un epílogo que más que nada, sirve para introducir al héroe a SHIELD, comandado por Samuel L. Jackson.

En resumen, Capitán América: El Primer Vengador es una entretenida película de ciencia ficción, ni más ni menos. Tiene sus defectos, como era de esperarse, pero definitivamente funciona mucho mejor que Thor o Iron Man 2, que apenas tuvieron vida propia, y no parecían más que un aburrido prólogo a Los Vengadores. Claramente El Capitán América también lo es, pero logra tener algo de personalidad propia en el camino.

P.D.: El 3D es de lo más horripilante en mucho tiempo, e innecesario como ni hace falta decir. Pude ve el 80% de la películas sin los lentes 3D y todo salía perfectamente. ¿Hasta cuándo el robo del 3D?

Heeere’s Johnny!… oops, película equivocada.

Hay muchas imágenes que podría usar para encabezar mi nota sobre Misery, pero creo que la que decidí usar es una de las mejores. La maldad escondida de Kathy Bates al principio de la película, y la que se desata a medida que la historia avanza, está perfectamente contenida en esos ojos, llenos de odio y locura, y hacen de Annie Wilkes uno de los villanos más memorables de la historia del cine.

Por supuesto, eso se lo debemos ante todo a Stephen King, cuyo libro fue adaptado por Rob Reiner y por el brillante guionista William Goldman, pero de cualquier manera, no habría sido lo mismo si Kathy Bates no se hubiera entregado a la demencia como lo hace tan convincentemente.

La historia gira en torno a un famoso escritor, interpretado también admirablemente por James Caan, quien tras terminar su último libro, sufre un accidente automovilístico en medio de una tormenta de nieve. Es rescatado por Annie Wilkes, una enfermera que no estaba por el lugar por simple coincidencia, ya que es su fan número uno y, como luego le confiesa, lo estaba persiguiendo en silencio.

Rápidamente nos encontramos en la habitación de la casa de Annie, donde Paul Sheldon, el escritor, está siendo atendido amablemente por esta mujer que al comienzo parece tener las mejores intenciones. Sin embargo, una vez que se descubre, recurre a los métodos más macabros con tal de satisfacer su locura. Misery es un constante juego de primeros planos y ángulos altos y bajos que resaltan efectivamente las expresiones de desesperación y miedo de James Caan, y las de locura y obsesión de Kathy Bates.

Este suspenso se ve interrumpido en varias ocasiones por la historia paralela, la del Sheriff investigando la desaparición del escritor. Esta parte de la historia está contada también con eficacia, pero nos quita esa innegable sensación de cautiverio que sufrimos junto a Sheldon mientras se encuentra encerrado, a la merced de Annie, sin posibilidad de escapar. El resto es un deslumbrante desarrollo con varios picos de tensión muy bien logrados que, indefectiblemente, llegan a un clímax violento e inolvidable. A esto le sigue un pequeño epílogo que, aunque ya hayamos visto a nuestro protagonista sano y salvo, nos recuerda esa sensación de peligro que ya sentimos la primera vez que vimos a Annie Wilkes asomarse por la puerta con aquella macabra sonrisa.

La primera Mad Max ha sufrido bastante con el paso del tiempo, e innegablemente no ha envejecido bien. Siendo casi el debut de varios artistas, como el director George Miller y Mel Gibson, ya perdió esa calidad que definitivamente habrá funcionado bien en la época en la que fue estrenada. Mad Max 2, sin embargo, es a primera vista una significante mejora: personajes más diversos e interesantes, una historia mejor desarrollada, villanos más creíbles, secuencias de acción realmente admirables, y un Mel Gibson evolucionado.

Seguimos estando en este mundo post-apocalíptico, más específicamente en una Australia devastada por una guerra de la cual nos enteramos con una interesante narración inicial, en la cual también aprendemos que todo está de cabeza por culpa del petróleo. Esto será un factor durante el desarrollo de la película, ya que Max se encontrará en el medio de una batalla entre una pequeña comunidad con una refinería y una violenta banda de motociclistas.

Al principio veremos a Max vagar en soledad, junto a un perro que lo mantendrá con los pies en la tierra. Al igual que en la primera película, donde la familia de Max era la que lo mantenía fuera de la locura que supone vivir en semejante distopía, el perro es su lazo con la cordura, tanto que el propio Max no duda en sacrificarse para que su perro sobreviva. Es una representación genial de cómo el personaje ha mantenido oculta su ira, luego de haber perdido a su esposa e hijo, y una vez que el perro muera a manos de los pandilleros, todo el infierno se desata.

Road Warrior tiene un mejor elenco, aunque Mel Gibson sigue estando rodeado de algunos secundarios insufribles, algunos de los cuales aún así logran interpretar a personajes interesantes, de entre los cuales innegablemente resalta el niño que no habla, pero que es protagonista de una de las muertes más sorprendentes de esta secuela. El ritmo también juega a su favor, con una duración igual al de la primera película, esta se disfruta mucho más por tener persecuciones mucho más elaboradas y diálogos aceptables.

La última secuencia de la carretera es simplemente brutal, y me atrevo a decir que ha sido pocas veces superada. Es claro que el éxito de la primera película les sirvió para trabajar mejor en ésta, además del presupuesto aumentado que les habrá servido para los vistosos accidentes, que son la cereza de toda la obra.

Después de muchos atrasos, la filmación de las dos últimas películas de Mad Max debería comenzar en febrero del 2012, con un elenco genial que seguirá las aventuras de Max Rockatansky en una Australia distópica post-apocalíptica.

El inicio, Mad Max, dista bastante de ser aquella aventura frenética que tiene muchas ganas de ser. Comienza con una espectacular persecución (espectacular para la época, claro) en donde ya se nos introduce rápidamente a este desordenado mundo donde prevalece la ley del más fuerte. Lastimosamente, la primera secuencia es la más interesante de toda la película, ya que el problema principal es que estamos siendo testigos de un relato de origen, donde el personaje del título recién aparece durante los últimos diez minutos de la obra, para terminar con la insatisfacción de haber esperado más.

Mad Max es generalmente mencionada como la película que puso al cine de Australia en el mapa, o la que impulsó a Mel Gibson como estrella de cine, o la que dio a conocer a George Miller como un director de acción a tener en cuenta. Es fácil comprender el éxito de la cinta. El riesgo y la pretensión de la historia son notables para haberse tratado de un film independiente, y Mel Gibson fácilmente podría haber resaltado con el rostro inexpresivo, estando rodeado de un grupo de actores con la capacidad actoral de una roca. En cuanto a George Miller, sólo basta con ver el resto de su filmografía para darse cuenta que lo de Mad Max nunca volvió a repetirse, excepto con la segunda parte de la cual en cualquier lado se habla mucho mejor que la primera.

Y esta película no es mala, para nada, pero por más que estemos viendo una historia de origen, Mad Max parece más bien la primera parte de una película más larga, innecesariamente extendida en el medio, donde hay una repetición interminable de situaciones de riesgo que sólo logran hacer que los villanos sean de lo más ridículos e inverosímiles posible.

Para cuando Mad Max aparece realmente, en busca de la obvia venganza, la ejecución es rápida y violenta. Miller maneja bastante bien las escenas de persecución, y las muertes de los villanos son de lo más variopinto, pero el final es abrupto y Gibson no se defiende con total credibilidad.

Para ser un clásico de culto, Mad Max realmente no ofrece mucho. Todas las secuencias que involucran alta velocidad son bastante memorables, pero componen menos de la cuarta parte de una película con excesos de romanticismo innecesario y desarrollo de personajes dilatado y repetitivo.